OTRO SENDERO

El Zen en la cultura occidental: Opiniones abundan en la inconveniencia de "adoptar" modelos, ó técnicas tan acendradas en la cultura de Oriente y tratar de asimilarlas a Occidente.

Esta postura, humildemente, nos parece un error, ya que si se ha captado el espíritu del Zen, ésto de ninguna manera será un obstáculo para experimentarlo.

Nada tan flexible como el Zen en ésta la cuestión simple de dejar que las cosas se acomoden. Se vayan adaptando "entre sí", para que el Zen pueda desarrollarse.

Quizà, lo que más nos cueste como occidentales, sea precisamente ésto: dejar, dejar que las cosas se acomoden. Esto, según la opinión de los Maestros Zen, es el mayor obstáculo para el occidental.

El dejar ser, es dejar que las cosas simplemente "sucedan", esto es, sin fijar de antemano una finalidad, una meta.

Esto, es para nosotros, más que nada, el obstáculo mayor. No tanto dejar que las cosas sean, como el hecho de no plantearnos ninguna meta, ningún objetivo a cumplir.

Lo que queremos aclarar, es que no habría que confundir "dejar ser" (wu-wei), con inercia, o alguna variante de desidia, dejadez, indiferencia, abandono etc.

Estos conceptos, frecuentemente, van acompañando a una mente "fugitiva", una mente que "deja ser porque mientras tanto, piensa en otra cosa", por eso hacemos la diferencia. El "dejar ser para que se acomoden", es como dicen en España, "quitarle el hierro" a las cosas. La constante focalización, la observación, el análisis de: ¿esto es Zen?, ¿seré hoy más Zen que mañana? ¿Cómo es la postura?, ¿Estoy suficientemente atento?....

Eso no es Zen. El Zen opera a través del "no hacer". No intervenir activamente en las situaciones, con el objeto de lograr algo. La fijación de metas no es Zen. Aunque las intenciones de superación son muy buenas, no para el Zen. Los intentos de superación pueden aplicarse a técnicas, que conllevan un resultado, que este resultado se modifica de acuerdo a la práctica.

La práctica del Zen, por otro lado, pasa por una "observación", una "atención", del momento, de la experiencia que atravesamos, sin absolutamente ninguna calificación, ni juzgamiento.

Muchas veces, nos sorprendemos enojándonos con nosotros mismos. Este enojo se origina cuando nos desviamos, nos sorprendemos fuera de lo que pensamos es lo correcto. Esto ya es una consideración de meta u objetivo. Esto no es Zen. Claro que fallaremos una y otra vez. Ni siquiera merece mención el hecho. Simplemente seremos alguien que falló, y sin juzgarnos severamente, soltamos esa sanción que tan fácil nos sale al encuentro.

El "esfuerzo consciente", entonces, es el mayor de los obstáculos: "Ahora voy a suspender la mente, ya está en blanco, casi ni pienso, ¡qué bien me sale hoy!, hoy estoy disperso, no hay caso, no tengo un buen día, me enojo, hace un rato que estoy en pleno "divague" cuando me esforcé en estar atento, no paro de pensar".....y así al infinito.

Otra cuestión que  los occidentales tenemos, es la tendencia a clasificar todo, a sujetar todo de acuerdo a nuestras convicciones hasta que "encajen".....

Es muy difícil solo "estar presente", observar la propia mente, la manera en que ésta se agita, se calma, cómo los pensamientos, como los monos, bailan de rama en rama.

Un instructor con el hicimos un curso, aplica su experiencia como meditador en las sesiones de terapia (es médico psiquiatra), progresivamente va mostrando a los pacientes que "hay otra forma" de pensar el pensamiento. Hemos tenido, incluso, oportunidad de escucharlos, historias que cambiaron el rumbo. Aquí, tal vez, se pueda aplicar una finalidad, como médico, su intención es "aliviar el sufrimiento". Aplicar la compasión, esto es el entender el sufrimiento del otro, no juzgarlo y "lograr" que el paciente se"desentrene" con respecto a culparse, a juzgarse crudamente,  o a juzgar duramente a los otros, despiadadamente, como se le ha enseñado. 

Esto es, simplemente, otro sendero..... 

ALGO SOBRE HEURISTICA

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La Heurística es una técnica utilizada para resolver problemas.

Es un rasgo característico de los humanos.

La capacidad heurística se manifiesta a través de la creatividad y el pensamiento lateral o divergente.

La característica del pensamiento paralelo es que no adhiere al "juicio", diseña "lo que pueda ser", no, lo "que es".

Plantea la búsqueda como una alternativa a lo pre establecido.

El hallazgo de soluciones, no va en el mismo renglón que palabras como "nunca" o "jamás".

Es un estilo de pensamiento que tampoco utiliza "por lo general", sino el "a veces".

Cuando se cultiva esta particular forma de enfocar los problemas, por fuerza se amplía la visión para percibir los componentes de los mismos y se desarrolla tolerancia para los errores que puedan cometerse.

Como si fuera un lema: "Nada de casillas, sino de ventanas"...

La percepción es la forma de "organizar" la experiencia.

Esa percepción es del fenómeno global, del conjunto.

Tradicionalmente, dirían que el que toma el control, sería el lóbulo derecho de los hemisferios cerebrales. El que capta globalmente las situaciones. Aunque se ha demostrado que en realidad participan las estructuras de ambos hemisferios en el "armado" de la percepción.

La aceptación de lo que está sucediendo, más la puesta en marcha del pensamiento paralelo, facilitan la visión del cuadro en general.

No hay "única verdad".

Los puntos de diferencia, no son mutuamente excluyentes, sino que funcionan como "extremos" del mismo problema.

El pensamiento paralelo, reconoce el valor de la información, se trata de generar más ideas que en juzgarlas.

En el sistema de pensamiento tradicional, no hay lugar para la creatividad, ésta solo se permite en las artes.

Ahora se sabe que hay una necesidad de crear en cualquier sistema de información autoorganizada como el cerebro humano.

En cierto modo, el pensamiento occidental, es menos que óptimo en su desempeño al hacerle frente a un mundo cambiante.

No alcanza la crítica, ni el saber que las cosas van a ocurrir.

Se ha creído que el análisis y la descripción eran facultades pensantes suficientes.

Pero no es así.

Dicen algunos autores, que para "ver" una idea nueva hay que imaginarla de manera que tenga BREVE VIDA en nuestra mente.

El análisis de la información permite SELECCIONAR una idea, no a encontrar una nueva cada vez.

Agregan estos autores que la cultura occidental ha tendido siempre a hacer una rotunda diferencia entre HACEDORES Y PENSADORES.

Por eso en Oriente, en la práctica del Zen, precisamente, dejan de lado los conceptos, las creencias. De estas últimas, las creencias, puede decirse que son percepciones que OBLIGAN a ver el mundo de tal manera que la percepción termine siendo válida. 

El verdadero propósito del mundo externo es mantenernos vivos y alimentar los sueños del mundo interno.

Volviendo al principio, en Psicología, se considera que la heurística opera cuando un problema es complejo o trae una información incompleta.

La heurística es un ATAJO de los procesos mentales activos, ahorrándolos.

Claro está que al tomar decisiones pueden cometerse errores, en la resolución de problemas.

La ideación de soluciones heurísticas arrancan de un razonamiento por ANALOGIA.

Como hemos comentado anteriormente, habría que llevar a cabo un proceso de "breakthrough", avances necesarios para romper dogmas.

DOS MUNDOS DIFERENTES DEBAJO DE LA MISMA PIEL

Hoy comentamos el trabajo literario de dos mujeres negras talentosas escritoras. Si bien una nació en Nigeria y la otra en USA, una de familia humilde y la otra en el seno de una familia de clase media,tienen en común más de lo que pareciera a simple vista, además de su sexo, color y ocupación.

Se trata de Chimamanda Ngozi Adichie, quién recientemente ganó el premio de la crítica neoyorquina por su última novela Americanah, en lengua inglesa.

A los 36 años ha publicado otras tres: La Flor púrpura, Medio Sol Amarillo. Estos dos últimos se hicieron acreedores a diferentes premios.

Nacida en un ambiente de clase media, ha estado en contacto precozmente con obras de africanos, una de ellas Chinua Achebe al que se considera el máximo exponente de la literatura africana contemporánea y Camara Laye, de Guinea. Ambos escriben, como,según se los ha descripto "auténticos africanos" desde Africa, sin "impostar" sus personajes al gusto anglosajón.

La obra de Chimamanda está traducida al español.

En ninguna de sus obras pierde de vista a Nigeria. Ha dicho "Una sola Historia roba la dignidad de los pueblos", sosteniendo que siempre detrás de toda historia hay dos visiones.

Imaginamos que hace referencia a que una de esas visiones sería la "blanca".

De su biografía, relata, la exigencia de "favores sexuales" por parte de un banquero, a cambio de permitirle abrir una cuenta para depositar su dinero, ponen de relieve que la lucha en diferentes continentes, es siempre reivindicatoria, aunque en escenarios bien distintos también siempre la misma....   

La otra mujer escritora, nacida en Ohio, cuyo nombre verdadero es Chloe Anthony Wofford, y que para el mundo de la Literatura es Toni Morrison, quien ganara el Premio Pulitzer en 1988 y el Nobel de Literatura en 1993.

Fue la primera mujer negra en ganar el Premio Nobel.

Se ha destacado por ser una eficaz combatiente por los derechos civiles de los negros. Su obra gira en torno a al tema femenino, en un contexto de esclavitud, racismo y segregación. En el fondo, la amistad y el amor.

Algunos de sus relatos son poderosos a la hora del impacto emocional que despierta en el lector, como la historia de aquella esclava que mata a su hija para evitar que sea esclavizada.

De origen muy humilde, se gradúa en Filología, desempeñandose como docente.

Comienza a trabajar como editora para Random House de New York.

Publica su primera novela alrededor de los 40 años, Ojos Azules, o Los Ojos Más Azules, la historia de una niña negra que tenía ojos azules, como el color de los ojos de las muñecas de las niñas blancas.....

En esencia, ambas escritoras ponen de relieve la violencia puesta en marcha cuando se trata de ejercer el poder....

CACERIA DE HISTORIAS

ESTA MUJER EMBARAZADA SE EXPONE EN EL CHALET DE RICHARD HALL

El chalet de Richard Hall, es uno de los lugares elegidos el día de hoy para iniciar una breve recorrida por galerías de Arte marplatenses y ahondar, de paso en lo que más nos apasiona, las historias que rodean dichos lugares, que puedan ser o no, repetimos una vez más, exactas o no tanto....

Richard Hall, fue un pintor finlandés, quien construyó y habitó el chalet de piedra y madera, alrededor del 1921, y que en la actualidad alberga una galería de actividad artística.

A su vez, funcionaba su estudio de pintura. Se destacó en el retrato y también fue paisajista.

Fue quien pinta el retrato de Eduardo, Príncipe de Gales, en su primera visita a la Argentina, en 1925, a bordo del barco Repulse, cuando hizo escala en Mar del Plata.

El chalet, posteriormente, fue adquirido por el Dr. Solari, quien trajo una imagen de Italia de la Virgen y teniendo una gran relación con el religioso Don Orione, le pidió que bendijera tanto su hogar como la susodicha imagen, y en efecto así se hizo.

La empresa Cabrales, es propietaria del lugar en la actualidad, habiendo dejado intacto el chalet, lo pone a disposición de los artistas que quieran exponer, así como muestras de fotografía, presentación de libros y charlas de profesionales en distintas ramas del arte. 

Tuvimos un guía insospechado, en la persona del empleado de la empresa de seguridad del lugar, quien resultó un apasionado del arte, y sobre todo acérrimo partidario de la conservación de las construcciones típicas de la ciudad.

El fue, quien nos hace un resumen de la historia del lugar, así como nos indicó que en el primer piso del local de ventas de la empresa Cabrales, funciona otro espacio del arte, al cual también acudimos.

Este local de ventas, funciona cruzando un especie de ancho pasillo flanqueado por jardín. Allí en un salón que rodea la desembocadura de la escalera hay colgadas obras de autores contemporáneos que tienen la oportunidad de exponer sus trabajos sin hacer casi ningún gasto, ya que el local no cobra ni al artista ni al público. El guía sorpresivo, nos informa asimismo que, por el término de dos años ya están comprometidas las instalaciones del chalet.

Este joven (26), que mencionamos, nos ha puesto al tanto también de otros lugares de la ciudad dignos de visitarse, como la Casa del Puente y el Asilo Unzué, relatando historias que nos parecen muy atrayentes para un futuro comentario. 

Esto que narramos, lo hemos investigado por nuestra parte, pudiendo darle crédito hasta donde nos contó.

Las obras que nos han llamado la atención es una mujer embarazada  y el retrato del Príncipe, quien ya mencionamos obra del entonces dueño de casa.

En el espacio de arte del local, nos parece muy logrado "espigas disidentes", un campo de trigo agitado por un viento invisible.

Continuamos el recorrido, buscando una galería de arte que albergaba los cuadros que más nos gustaba ver en nuestra infancia, de Kaperotxipi, a secas, como le oímos nombrar a los mayores. Su nombre completo era Mauricio Flores Kaperotxipi. Este pintor nacido en 1901 y fallecido en 1997, plasmó en sus obras la gente, sus rasgos, sus costumbres rurales propias del País Vasco.

Resultó que la Galería que pensamos era la que exponía en forma permanente las obras de Kapertoxipi, ahora se llamaba Galería Solla. En realidad estábamos en un error.

Era tarde ya, pero como dentro había luz, ante nuestros gestos, acudió a abrirnos un señor, muy atento quien nos informó que la Galería que buscábamos no quedaba en esa calle, pero que igualmente, hacía 30 años había dejado de funcionar. Nos dijo que Kaperotxipi, había regresado a España y fallecido allí. En Argentina no había familia. 

Ya nos íbamos cuando nos invitó a pasar y ver la Galería Solla.

Confesamos que desconocíamos al pintor, el cual era quien nos estaba invitando a ingresar. Encendió el resto de las luces del local para que pudiéramos hacer el recorrido. 

Nos enteramos que José Solla, nacido en España, vive en Argentina desde 1950. Desde 1979 se integra como artista exclusivo de la Galería de Arte Internacional Wildenstein. Ha expuesto su obra en New York, Washington, San Pablo, Río de Janeiro, etc.

Se ha desempeñado como jurado en concursos de pintura.

Incluye  en su Galería, esculturas en cobre, madera y alabastro.

También se destaca un cuadro del artista Juan Carlos Castagnino.

Nos han quedado muchas manifestaciones artísticas sin poder ver pero hemos descubierto lugares e historias que desconocíamos por completo.

ARRIBO DE EDUARDO DE GALES. RICHARD HALL.

SIN HISTORIA, SIN MEMORIA....

IMAGEN ACTUAL DEL CHATEAU FRONTENAC

Esta es sólo una crónica breve, de la existencia de un edificio. 

El mismo, fue el palacete conocido como Chateau Frontenac, situado en la ciudad de Mar del Plata, Buenos Aires, Argentina.

Construido a principios del siglo XX, propiedad de la familia Leloir Unzué. Su constructor fue Adán Gandolfi quién creó obras similares en la zona, aproximadamente en 1905.

Plasmó en éstas, sus construcciones marplatenses, aires franceses e ingleses, principalmente.

En 1920, de la mano del arquitecto Alejandro Bustillo, irrumpe el estilo español, como contrapunto de los estilos antes mencionados.

Fueron varios los arquitectos cultores de este particular estilo, nacido a la sombra del antiguo estilo colonial, denominándose neocolonialista. 

El mencionado Bustillo en los veintes, remodela el Chateau Frontenac, imprimiéndole el sello hispano. Inconfundible desde el gran portal de ingreso, flanqueado por columnas salomónicas. Le agregó un patio andaluz, un mirador con reminiscencias árabes, en las que luego se construyeron habitaciones y techos recubiertos por tejas españolas.

Ya en los ochenta funcionó como hotel, luego como sitio de reuniones y fiestas hasta su cierre en 1994.

En su interior supo tener una pieza central de hierro forjado de nueve metros de alto, del que partían tres arañas las cuales repartían su luz en cada piso del palacio.
A esto hay que agregar la magnífica vista de la bahía, de la que fue testigo privilegiado.

EN LA ACTUALIDAD ESPERA SU DEMOLICION PARA SER LEVANTADAS, EN EL PREDIO, DOS TORRES.

Hilosdepiedra: no dejamos de asombrarnos que la mayoría de los que tienen oportunidad de viajar a Europa sin ir más lejos, incluidos los propulsores de "inversiones inmobiliarias", ponen de ejemplo aquellos lugares donde se ha respetado el patrimonio arquitectónico, no dudando, en su propio país de gestionar todas las demoliciones que sea necesario para poder seguir viajando y extasiándose con las politicas conservacionistas ajenas.
Consideramos que, al menos, preservar las obras más emblemáticas, entrañables, de la fisonomía de un lugar, es asegurarle su identidad. Algo que todos sus habitantes deberían tener como una garantía de pertenencia.
Por suerte, la Torre Eiffel, el Coliseo romano, la torre de Pisa, Montmartre,  y muchos lugares que han sobrevivido a los afanes inmobiliarios, no se encuentran en estos pagos.

DETONADORES DEL ARTE

El arte Pop en la Argentina comienza a desarrollarse en la década del 60, reflejando un quiebre con respecto a lo artístico y lo ideológico. Si bien en Nueva York el movimiento artístico la consagró como la nueva Meca del Arte, los artistas locales trazaron su propio camino aunque no absolutamente ajenos a lo que allí sucedía.

Tal vez los objetivos aquí y allá fueron los mismos, los de sacudir a la sociedad conservadora y "domesticada" a través de sus manifestaciones artísticas.

El Arte Pop, es en definitiva, la manifestación artística que incorpora la masa al arte, lo pone a su alcance, al mismo tiempo que es "aplicado" a objetos de uso cotidiano, de consumo. Esto tiene que ver con una participación, una interacción con la gente, una sucesión de happenings....

En Argentina la expresión del nuevo arte naciente se apropió del diseño de indumentaria, del zapato, de accesorios, la pintura y la fotografía.

Se acentuó, de esta manera la diferencia de los pioneros artistas y el resto de una sociedad que los miraba, por lo menos al comienzo, con desconfianza. La maquinaria rechinaba lento, pero el cambio ya estaba en marcha.

Una de las primeras fue Dalila Puzovio. Logró que la zapatería Grimoldi, tradicional, si las hay, aceptara la comercialización de sus plataformas dobles en los zapatos.

El movimiento entró en su apogeo con la apertura del Instituto Di Tella. Allí se gestó el desarrollo principalmente aplicado al diseño de medios. 

Aparece la Menesunda, donde su utiliza por vez primera un circuito cerrado de televisión, y el público recorre túneles de neón, "visita" el interior de una cabeza femenina, donde maquilladoras los asisten,

observa una pareja durmiendo, en total 16 zonas, de "experimentación". Fue la creación de Marta Minujin, Raul Santantonin, el Di Tella y muchos otros coprotagonistas...

Otra manifestación artística fue la composición fotográfica, como la de Dalila Puzovio. acostada en la arena y rodeada de luces como un espejo de maquillaje, imagen que aún permanece vigente. La moda de avanzada, llega a las revistas más renombradas como Vogue y Harper`s Bazaar. La modelo Jean Shrimpton vestida de astronauta también se transformó en un ícono de la imagen, que trascendería la década.

Gran parte de estos artistas se han reunido en el 2014 recreando en las obras presentadas en el Museo de Arte Contemporáneo de Mar del Plata, una época que debe llegar al gran público, a pesar que tenga que volver a contarse una y otra vez un período que, no dudamos movilizó, escandalizó y despertó. Tal vez debieran hacerlo nuevamente. Las sociedades caen pronto en el olvido, se duermen en la comodidad, tienden a la repetición y se muestran dóciles con las propuestas impuestas que las mantengan ajenas a su propio poderío....

EL LADO OSCURO DE LA MONEDA

RENE MAGRITTE

"Arrojada a la orilla. Medio muerta.

Nadie sabe su origen, ni ella misma. Según qué mitad, es de Beluga. Eso la hace deseable y muy buscada, solo para aquellos que pueden pagarlo. De esos ha habido y habrá siempre. Solo el nombre alude a lo caro y para pocos. Nombre del que se jactan los que han probado, de ésa, su cara mitad. Cuesta conseguirlo, en las aguas frías, procesarlo en las más frías factorías, y toda la odiosa cadena comercial. De muchos operarios en cadena que la tocarán a ésa, su mitad, con guantes especiales, para no arruinar lo delicado de esa carne. Harán todo, menos comprarla, menos pagar por ella.

En cambio, de su otra mitad, la más barata, nadie va a reclamar su posesión. Nadie va a jactarse de ser su dueño".....Hilosdepiedra.

Estos renglones pueden variar y no incidiría en absolutamente nada ya que el autor de esta obra, Renè Magritte, (cuyas obras han sido publicadas a raíz de comentarios previos sobre el Surrealismo en este Blog) se negaba a traducir ó explicar el significado de sus obras. 

Tampoco ha sido su característica, hablar mucho de su pasado. Se sabe que siendo niño su madre se suicidó, ahogándose en un río. Este no es para nada un dato irrelevante. Al parecer, éste episodio que imaginamos trágico, le marcó de una manera especial, desarrolló gran afinidad por la obra y estilo de Poe, en cuanto su atracción por la muerte. De niño solía jugar en los cementerios, especialmente en el de Soignes, ya mayor se acostaba en algún ataúd vacío que tuviera en su negocio un amigo quien se dedicaba al negocio de Pompas Fúnebres, más tarde su contacto con la muerte y las mujeres, fue a través de los abortos que sufriera su mujer....

De este modo, sin ahondar en interpretaciones psicoanalíticas, creemos que con los datos aportados podemos vincular esa mujer mitad pez, o pez mitad mujer, que yace en la orilla, con una mujer muerta, ahogada y arrojada en la orilla por la marea. Si simboliza a su madre o no, eso ya no es de nuestra incumbencia y sería temerario afirmarlo. Pero la asociación es poderosa. 

Al parecer, después de los episodios con el ataúd y otras anécdotas similares, que tienen que ver con muerte, sufrió algún tipo trastorno psicológico relacionado con trastorno de ansiedad....

No sabremos si a través de su obra canalizó esta atmósfera de muerte. Sí habría manifestado que para él la muerte, paradójicamente sería como un motor propulsor de la vida.

Para nosotros, sería como observar la moneda por su cara más oscura. Igualmente ambas caras coexisten, y el resultado final girará, como una moneda: muerte-vida; Vida-muerte-vida.....

Como otros artistas que hemos comentado, también fue diseñador de carteles y anuncios publicitarios.

Formó parte de un Grupo surrealista compuesto por Camille Goemans, Marcel Lecomte y varios otros, ninguno de ellos fue artista plástico. Se relacionó con escritores, poetas, filósofos etc y con ellos funda una revista en 1940 denominada "Invención Colectiva". Algunas de sus obras fueron La Gigante, Las Flores del Mal etc.

Para él el arte es pensamiento y reflexión. Se ha definido como un surrealista sin dogma. También a su pintura se la ha definido como Realismo Mágico, Pintura Reflexiva, Antiliteraria etc.

Creía que pintar era aburrido. Pintaba porque su pintura fueron sus pensamientos, la transmisión de sus ideas. Se ha dicho que su obra es para filósofos. Siempre en sus obras aparece esa encrucijada: real-imaginario. Onírico, es el término que podría emplearse en alguno de sus obras. Fue muy crítico de su época.

Si lo que pretendió (si es que por acaso pretendió algo) es cambiar a una nueva lógica, pareciera haberlo logrado. 
Su pintura, no deja a nadie indiferente, tal vez con la intención de evitar el adormecimiento de lo establecido, de la conformidad.